20081027-20081207
剪紙新藝術展
學學文創展坊 XUE XUE GALLERY(學學文創志業大樓三樓)
am1030-pm0830
一把剪刀，一柄刻刀，
一地散落的紅色碎屑宛若流沙翻飛蔓延，
穿越時空，換上嶄新面貌停駐生活周遭。
承載著時代變遷與傳承，
結合現代藝術與創意設計，
讓紅色光影喚醒舊時記憶，
解構剪紙傳統印象，重組新藝術的視覺感動。
1027-1207 學學文創 - 剪紙新藝術展
20081027-20081207
剪紙新藝術展
學學文創展坊 XUE XUE GALLERY(學學文創志業大樓三樓)
am1030-pm0830
一把剪刀，一柄刻刀，
一地散落的紅色碎屑宛若流沙翻飛蔓延，
穿越時空，換上嶄新面貌停駐生活周遭。
承載著時代變遷與傳承，
結合現代藝術與創意設計，
讓紅色光影喚醒舊時記憶，
解構剪紙傳統印象，重組新藝術的視覺感動。
0910-1012 學學文創 - 國際海報設計三重奏
20080910-20081012
國際海報設計三重奏-捷克 波蘭 台灣
學學文創展坊 XUE XUE GALLERY(學學文創志業大樓三樓)
am1030-pm0830
邀您領略 全球最豐沛的創意能量
捷克 波蘭 台灣海報設計大展 全國設計大師系列講座
若說到平面設計的國際舞台 你不能不知道捷克布魯諾
提到全世界最大的海報雙年展 不能不聯想到波蘭
連繫台灣與這些設計之都的唯一機會 敬請造訪學學文創展坊
一探全球視覺藝術與平面設計的獨匠之美
透過設計師們１２２件海報藝術作品
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感受 波蘭文化藝術資產的魅力
探索 台灣設計蓬勃旺盛的生命力
0530-0817 國立故宮博物院 - 印象畢沙羅 Camille Pissarro
印象畢沙羅：英國牛津大學美術館珍藏展
國立故宮博物院
0530-0817/2008
Camille Pissarro: Family and Friends--Masterworks from the Ashmolean Museum
National Palace Museum
0530-0817/2008
保羅‧塞尚稱卡密爾‧畢沙羅為「第一位印象主義的藝術家」。在1874年至1886年間舉辦的八次印象派畫展中，畢沙羅是唯一堅持印象派的理念與實踐、從未缺席的畫家。誠如塞尚所說，「謙遜而傑出」的畢沙羅是印象派的創始者也是印象派最忠實的代表者。畢沙羅的創作生涯貫穿巴比松畫派到印象畫派，代表了十九世紀現代繪畫的主流。他不僅可與莫內、竇加相提並論，也是備受年輕後進尊崇的良師益友，塞尚、高更、梵谷乃至年輕時的馬諦斯都受過他的引導與影響。
「印象-畢沙羅」的展品來自於英國牛津大學阿胥莫林美術館的收藏。該美術館擁有全球最完整的畢沙羅素描與水彩畫。本展以畢沙羅的油畫、素描、版畫及信件為主軸，並包括他的三位畫家兒子路西安、菲力克斯、路德維奇－魯道夫與孫女奧蘿維妲的作品。同時，為了將畢沙羅的成就與影響力置於十九世紀法國藝術的脈絡之中，本展覽亦展出具有代表性的巴比松畫派藝術家，及畢沙羅的印象派同儕之作品。在超過四十年的創作生涯中，畢沙羅以開放的心胸廣為吸收其他藝術家的觀念與技法並加以創新，因此他經歷了多次創作風格的轉變。本展覽以「風景‧畢沙羅」、「農情‧畢沙羅」、「家族‧畢沙羅」等三個主題之關聯，完整呈現印象派發展的脈絡及畢沙羅多樣風格的演進。
The renowned Post-Impressionist artist Paul Cezanne once praised Camille Pissarro (1830-1903) as 'the first Impressionist painter.' A central figure in the formation of this art movement, Pissarro was the only artist to show in all eight of the formative Impressionist exhibitions held between 1874 and 1886, striving consistently to uphold its ideals and practices. As Cezanne admitted, that 'humble and colossal' Pissarro was a founder of Impressionism and one of its most faithful representatives in many ways. Pissarro's career in art spanned the Barbizon school to Impressionism, representing many of the main trends in modern painting of the nineteenth century. Not only is he mentioned together with such Impressionist masters as Monet and Degas, he was also revered by many other young mentors and friends who would later go on to fame. Such artists as Cezanne, Gauguin, Van Gogh, and even the young Matisse all came under his guidance or influence at one time or another.
The works on exhibit in Camille Pissarro, Family and Friends come from the collection of the Ashmolean Museum of Art and Archaeology at the University of Oxford in England. The Ashmolean Museum is home to the most complete set of drawings and watercolours by Pissarro in the world. This exhibit focuses on Pissarro's oil paintings, drawings, prints, and letters, but it also includes works by three of his painter-sons--Lucien, Felix, and Ludovic-Rodolphe--and by his granddaughter Orovida. To put Camille Pissarro's achievements and influence in the wider perspective of nineteenth-century French art, representative works by Barbizon painters and Pissarro's fellow Impressionists have also been selected for exhibit. Always with an open mind, Pissarro in more than forty years as an artist also absorbed ideas and techniques of other artists, adding his own innovations that led to several shifts in style over his career. This special exhibition is divided into three main themes--"Pissarro and Landscape," "Pissarro and Rural Life," and "The Pissarro Family," presenting an overview of major developments in the life and art of the Impressionist patriarch Camille Pissarro.
0614-0824 台北市立美術館 - 建築實驗室 ARCHILAB
建築實驗室－法國中央地區當代藝術基金會建築收藏展
台北市立美術館1A-1B
0614-0824/2008
ARCHILAB. Collection du FRAC Centre
Taipei Fine Arts Museum 1A-1B
0614-0824/2008
本展囊括了法國中央地區當代藝術基金會最具代表性的素描與模型，展出250餘件作品，向世人介紹一九五○年代至今，建築與城市在實驗發展上的脈絡概要。
作品共分13個主題：「網絡城市 Network City」、「移動城市 Mobile City」」、「汽泡城市 Bubble City」、「傾斜城市 The Oblique City」、「巨型建築 Megastructures」、「幾何城市Geometric City」、「未來式城市 Futuristic City」、「建築機器 Machine Architecture」、「解構 Deconstruction」、「互動建築 Interactive Architecture」、「非標準建築 Non-Standard Architecture」、「1990-2008」、「藝術家 Artists」
六○年代，歐洲興起了「激進建築」的運動，旨在透過理念與藝術創作，超越建築原有的尺度與規範。這些建築激進派包括「建築電訊」、「超級工作室」、「豪斯陸克團體」與「建築伸縮派」，他們所進行的案件，小到私人住宅，大至都市計畫；建築在此已不僅是單純的建物，而是一個持續變動重組的環境，呼應時代的脈動。
藉由紀德博的「心理地理學指南」(1957)與「建築電訊」的「即時城市」(1969)，本展以「移動」的觀點揭開序幕，呈現一個無常、遊牧的烏托邦城市，隨著不斷的往來與迭起的事件，向前推進。
自五○與六○年代起，歐洲建築界開始探索「移動」的各種可能；在「移動城市」的主題中，根據艙房的模組、增生、集結性，啟發新的空間定義。首先響應的是艾歐尼爾．尚恩的塑膠屋，接著是巴斯卡．豪澤曼、尚內亞克與安提．羅維格，他們用單獨的艙房元件彼此組合，形成一個持續改組的都市聚落。
而像「氣泡城市」這類無地基的有機模組建築，則以「氣泡」作為主要特徵。其中，大衛‧喬治‧艾默力希從形態學切入，在可充氣式的建築發展演進裡，研究結構的張力；同一時期，「氣體」建築在歐洲如同雨後春筍般冒出，例如奧地利的「藍天組」、法國的烏托邦團、英國的亞瑟．。然而，所謂的「移動」，同樣也適用在居住者的身上，因此「建築原理」（克勞德．巴宏與保羅．維希，1963-1968）主張一種動態的建築，在「傾斜的都市」裡，藉由斜面與坡道打造一個可以提高「居民流量」的系統。
早在1958年，為了因應現代都會主義所興生的危機，尤納．弗萊德曼設計了一座「空中城市」，高高棲踞在支架上，居處以三度空間的立體結構，拓生為數層。此外，六○與七○年代亦是「巨構建築」蓬勃發展之際，這類建築可以無限擴展，依循模組原則，運用開放的架構自由安排(例如：胡特與多明尼克雙人組)。這些作品運用系統形式 － 例如都市格狀結構 － 來找尋一種人人平等的空間組織；此種理想適為當時的社會風氣，在尚．雷諾帝或芮妮．蓋爾胡斯特兩人結構繁複的「幾何城市」裡，我們可以窺見一二。
八○與九○年代，由於「解構」概念的出現，提升了建築的功能，在法國哲學家德希達的影響下，一些美國與歐洲的建築師，像是庫哈思、彼得．艾森曼、莎哈．哈蒂、屈米和丹尼爾．李伯斯金，均強調設計的理論與概念層面。經此解放之後，建築師們紛紛再次運用「事件」的觀念，以及形式與時間上的「斷裂」，進行一種語言的探索。
解構之後，我們將眼光放在數位工具帶來的各種可能。新一代的建築崛起於九○年代末期，造就出「智慧型」建築，既互動(以NOX、荷蘭的ONL為代表)，又能自元素的動勢與張力中，生成形式(以Asymptot, KOL/MAC LLC為代表)。
多虧今日的電腦繪圖技術與迅捷的模型製作機器，才能產生新的設計與製作程序。源自工程、生物、基因領域的複雜拓樸空間，正在改寫建築，將其轉化為一種動態的形式，讓建築不僅存於物質現實與可能潛力之間，鼓勵使用對象的彼此互動，更能考量到所有不同的環境、生態與微氣候因素。
This exhibition, which brings together some 250 drawings and models from among the FRAC Centre’s most emblematic projects, offers a broad overview of architectural and urban experimentation, from the 1950s to now.
In 1960s Europe, a movement called “radical architecture” emerged. It aimed to go beyond architecture as a discipline by opening it up to conceptual and artistic practices. In the hands of radical groups, from Archigram to Superstudio, and Haus-Rucker-Co to Archizoom, who designed for every scale, from the house to the urban plan, architecture no longer comes across as a built object but as a perpetually reconfiguring environment, at one with the time of action.
Taking Guy Debord’s guide psychogéographique (1957) and Archigram’s project for an Instant City (1969), the exhibition opens with the idea of “mobility”, presenting an ephemeral and nomadic utopian city, animated by the flow of communication and constantly generating events.
In 1950s and ’60s Europe, exploration of mobility in architecture led to the definition of a new kind of space, organised round the modularity, proliferation and agglomeration of pods (MOBILE CITY). First there was Ionel Schein, with his plastic house. Then came Pascal Haüsermann, Chanéac and Antti Lovag, who developed assembly systems of autonomous pods connected to each other to form constantly reconfiguring urban agglomerations.
The “bubble” came to be an emblem of this organic and modular architecture without foundation (BUBBLE CITY). David Georges Emmerich’s research into the morphology of self-tensile structures contributed to the development of inflatable buildings, and this same ’60s Europe saw the spread of “air” architecture (Coop Himmelblau in Austria, the Utopie group in France, Arthur Quarmby in the UK). But mobility refers to that of inhabitants too; thus the Architecture-Principe group (Claude Parent and Paul Virilio, 1963-1968) insisted on the need for an architecture of movement in which “habitable circulation” would be encouraged by sloping planes and systems of ramps (OBLIQUE CITY).
As early as 1958, Yona Friedman designed a project for a global city in response to the emerging crisis of modern urbanism. “Spatial cities,” perched on stilts and containing inhabited volumes were to proliferate over several levels based on a three-dimensional structure. The ’60s and ’70s also saw an increasing number of projects for “megastructure” cities, defined by their capacity for infinite expansion, the principle of modularity and free planning by means of an open framework (Huth & Domenig). In all these projects, the reliance on systematic form, e.g. the urban grid or framework, was employed in the service of a spatial organisation in search of an egalitarian ideal - a social aspiration characteristic of the period - which also shows up in the complex geometric spatial compositions of Jean Renaudie or Renée Gailhoustet (GEOMETRIC CITY).
In the 1980s and 1990s, international architecture was able to contribute to strengthening the critical capacity of the architecture referred to as “deconstruction”. Under the influence of French philosopher Jacques Derrida, certain American and European architects, among whom Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Bernard Tschumi and Daniel Libeskind, emphasised the theoretical activity and the conceptual dimension of the project. Freed in this way from the programme, architecture comes across as the exploration of a language. Architecture once again lays claim to the notion of the event, of formal and temporal “disjunction”.
Moving beyond deconstruction and betting on the potential for exploration offered by digital tools, a new generation emerged in the late 1990s, producing “intelligent” architecture, both interactive (Nox, ONL/Oosterhuis.nl), in perpetual mutation (Dagmar Richter) and generating forms that draw on the dynamism and tension of the elements (Asymptote, KOL/MAC LLC). The ArchiLab show, first launched by Frédéric Migayrou in 1999 in Orleans, has greatly contributed to raising awareness in France of this new generation of architects focused on research at the international level.
Entirely new design and production processes are made possible by today’s computer-driven manufacturing techniques and rapid prototyping machines. Complex topological spaces, emerging from engineering, biology and genetics, are transforming architecture, which is now viewed as a dynamic form, existing between materiality and potentiality, open to the interaction of its users and to environmental, ecological or micro-climatic conditions.
台北市立美術館1A-1B
0614-0824/2008
ARCHILAB. Collection du FRAC Centre
Taipei Fine Arts Museum 1A-1B
0614-0824/2008
本展囊括了法國中央地區當代藝術基金會最具代表性的素描與模型，展出250餘件作品，向世人介紹一九五○年代至今，建築與城市在實驗發展上的脈絡概要。
作品共分13個主題：「網絡城市 Network City」、「移動城市 Mobile City」」、「汽泡城市 Bubble City」、「傾斜城市 The Oblique City」、「巨型建築 Megastructures」、「幾何城市Geometric City」、「未來式城市 Futuristic City」、「建築機器 Machine Architecture」、「解構 Deconstruction」、「互動建築 Interactive Architecture」、「非標準建築 Non-Standard Architecture」、「1990-2008」、「藝術家 Artists」
六○年代，歐洲興起了「激進建築」的運動，旨在透過理念與藝術創作，超越建築原有的尺度與規範。這些建築激進派包括「建築電訊」、「超級工作室」、「豪斯陸克團體」與「建築伸縮派」，他們所進行的案件，小到私人住宅，大至都市計畫；建築在此已不僅是單純的建物，而是一個持續變動重組的環境，呼應時代的脈動。
藉由紀德博的「心理地理學指南」(1957)與「建築電訊」的「即時城市」(1969)，本展以「移動」的觀點揭開序幕，呈現一個無常、遊牧的烏托邦城市，隨著不斷的往來與迭起的事件，向前推進。
自五○與六○年代起，歐洲建築界開始探索「移動」的各種可能；在「移動城市」的主題中，根據艙房的模組、增生、集結性，啟發新的空間定義。首先響應的是艾歐尼爾．尚恩的塑膠屋，接著是巴斯卡．豪澤曼、尚內亞克與安提．羅維格，他們用單獨的艙房元件彼此組合，形成一個持續改組的都市聚落。
而像「氣泡城市」這類無地基的有機模組建築，則以「氣泡」作為主要特徵。其中，大衛‧喬治‧艾默力希從形態學切入，在可充氣式的建築發展演進裡，研究結構的張力；同一時期，「氣體」建築在歐洲如同雨後春筍般冒出，例如奧地利的「藍天組」、法國的烏托邦團、英國的亞瑟．。然而，所謂的「移動」，同樣也適用在居住者的身上，因此「建築原理」（克勞德．巴宏與保羅．維希，1963-1968）主張一種動態的建築，在「傾斜的都市」裡，藉由斜面與坡道打造一個可以提高「居民流量」的系統。
早在1958年，為了因應現代都會主義所興生的危機，尤納．弗萊德曼設計了一座「空中城市」，高高棲踞在支架上，居處以三度空間的立體結構，拓生為數層。此外，六○與七○年代亦是「巨構建築」蓬勃發展之際，這類建築可以無限擴展，依循模組原則，運用開放的架構自由安排(例如：胡特與多明尼克雙人組)。這些作品運用系統形式 － 例如都市格狀結構 － 來找尋一種人人平等的空間組織；此種理想適為當時的社會風氣，在尚．雷諾帝或芮妮．蓋爾胡斯特兩人結構繁複的「幾何城市」裡，我們可以窺見一二。
八○與九○年代，由於「解構」概念的出現，提升了建築的功能，在法國哲學家德希達的影響下，一些美國與歐洲的建築師，像是庫哈思、彼得．艾森曼、莎哈．哈蒂、屈米和丹尼爾．李伯斯金，均強調設計的理論與概念層面。經此解放之後，建築師們紛紛再次運用「事件」的觀念，以及形式與時間上的「斷裂」，進行一種語言的探索。
解構之後，我們將眼光放在數位工具帶來的各種可能。新一代的建築崛起於九○年代末期，造就出「智慧型」建築，既互動(以NOX、荷蘭的ONL為代表)，又能自元素的動勢與張力中，生成形式(以Asymptot, KOL/MAC LLC為代表)。
多虧今日的電腦繪圖技術與迅捷的模型製作機器，才能產生新的設計與製作程序。源自工程、生物、基因領域的複雜拓樸空間，正在改寫建築，將其轉化為一種動態的形式，讓建築不僅存於物質現實與可能潛力之間，鼓勵使用對象的彼此互動，更能考量到所有不同的環境、生態與微氣候因素。
This exhibition, which brings together some 250 drawings and models from among the FRAC Centre’s most emblematic projects, offers a broad overview of architectural and urban experimentation, from the 1950s to now.
In 1960s Europe, a movement called “radical architecture” emerged. It aimed to go beyond architecture as a discipline by opening it up to conceptual and artistic practices. In the hands of radical groups, from Archigram to Superstudio, and Haus-Rucker-Co to Archizoom, who designed for every scale, from the house to the urban plan, architecture no longer comes across as a built object but as a perpetually reconfiguring environment, at one with the time of action.
Taking Guy Debord’s guide psychogéographique (1957) and Archigram’s project for an Instant City (1969), the exhibition opens with the idea of “mobility”, presenting an ephemeral and nomadic utopian city, animated by the flow of communication and constantly generating events.
In 1950s and ’60s Europe, exploration of mobility in architecture led to the definition of a new kind of space, organised round the modularity, proliferation and agglomeration of pods (MOBILE CITY). First there was Ionel Schein, with his plastic house. Then came Pascal Haüsermann, Chanéac and Antti Lovag, who developed assembly systems of autonomous pods connected to each other to form constantly reconfiguring urban agglomerations.
The “bubble” came to be an emblem of this organic and modular architecture without foundation (BUBBLE CITY). David Georges Emmerich’s research into the morphology of self-tensile structures contributed to the development of inflatable buildings, and this same ’60s Europe saw the spread of “air” architecture (Coop Himmelblau in Austria, the Utopie group in France, Arthur Quarmby in the UK). But mobility refers to that of inhabitants too; thus the Architecture-Principe group (Claude Parent and Paul Virilio, 1963-1968) insisted on the need for an architecture of movement in which “habitable circulation” would be encouraged by sloping planes and systems of ramps (OBLIQUE CITY).
As early as 1958, Yona Friedman designed a project for a global city in response to the emerging crisis of modern urbanism. “Spatial cities,” perched on stilts and containing inhabited volumes were to proliferate over several levels based on a three-dimensional structure. The ’60s and ’70s also saw an increasing number of projects for “megastructure” cities, defined by their capacity for infinite expansion, the principle of modularity and free planning by means of an open framework (Huth & Domenig). In all these projects, the reliance on systematic form, e.g. the urban grid or framework, was employed in the service of a spatial organisation in search of an egalitarian ideal - a social aspiration characteristic of the period - which also shows up in the complex geometric spatial compositions of Jean Renaudie or Renée Gailhoustet (GEOMETRIC CITY).
In the 1980s and 1990s, international architecture was able to contribute to strengthening the critical capacity of the architecture referred to as “deconstruction”. Under the influence of French philosopher Jacques Derrida, certain American and European architects, among whom Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Bernard Tschumi and Daniel Libeskind, emphasised the theoretical activity and the conceptual dimension of the project. Freed in this way from the programme, architecture comes across as the exploration of a language. Architecture once again lays claim to the notion of the event, of formal and temporal “disjunction”.
Moving beyond deconstruction and betting on the potential for exploration offered by digital tools, a new generation emerged in the late 1990s, producing “intelligent” architecture, both interactive (Nox, ONL/Oosterhuis.nl), in perpetual mutation (Dagmar Richter) and generating forms that draw on the dynamism and tension of the elements (Asymptote, KOL/MAC LLC). The ArchiLab show, first launched by Frédéric Migayrou in 1999 in Orleans, has greatly contributed to raising awareness in France of this new generation of architects focused on research at the international level.
Entirely new design and production processes are made possible by today’s computer-driven manufacturing techniques and rapid prototyping machines. Complex topological spaces, emerging from engineering, biology and genetics, are transforming architecture, which is now viewed as a dynamic form, existing between materiality and potentiality, open to the interaction of its users and to environmental, ecological or micro-climatic conditions.
0325-0625 國立故宮博物院 -
探索亞洲－故宮南院首步曲 Exploring Asia: Episode One of the NPM Southern Branch
探索亞洲－故宮南院首步曲
Exploring Asia: Episode One of the NPM Southern Branch
國立故宮博物院, 台灣
National Palace Museum, Taiwan
2008/0325-0625
Gallery：105, 107
國立故宮博物院將在嘉義太保地區建立南部院區，這是一座以亞洲藝術文化為主題的博物館，探索我們所身處的亞洲。
從阿拉伯半島以東到太平洋西緣群島，這片被稱為「亞洲」的廣袤土地上，古老文明到處林立著；雖然從未有一統的亞洲，或共通的洲域意識，然而古文明之間的交流互動卻始終頻繁且從未中止。
交流，通過陸路或海上的道路，以商旅貨販、使節往還、宗教佈道、僧侶朝聖、軍事征服、民族遷徙等方式，進行不同方向、不同速率的文化流動。無論思想信仰、技術工巧、裝飾形式，在接觸、好奇、模仿、融合的歷程中，都曾不斷的引致全面或局部的學習，在舊傳統中注入新生命，再次茁長、傳播。溯本追源，其實每件文物都透露著周緣文明捎來的訊息。
所以，什麼是亞洲？不止於知道鄰居是誰，還在於彼此間有什麼樣的接觸？激盪出什麼樣的傳播、交流、競爭、融合的互動關係？此次，故宮從自身的典藏出發，選取「經典」、「佛教」、「織品」、「青花」、「茶文化」、「西潮」等六個亞洲文化中最具流動感的主題，探索亞洲藝術文化傳播、流通、變遷的種種樣貌。期許從亞洲思想、雕塑、器皿、穿著、飲食，以及面對西方思潮的態度等多元角度切入，讓我們更深沈的省思自身文化的特色。
0426-0615 台北當代藝術館 -
反常-克利斯瓊‧拉夸
upcoming exhibition: Exploring Christian upcoming exhibion--Lacroix by Christian Rizzo & David Dubois
反常-克利斯瓊‧拉夸
upcoming exhibition: Exploring Christian upcoming exhibion--Lacroix by Christian Rizzo & David Dubois
台北當代藝術館
2008/0426-0615
upcoming exhibition: Exploring Christian upcoming exhibion--Lacroix by Christian Rizzo & David Dubois
台北當代藝術館
2008/0426-0615
2007年, 克利斯瓊‧拉夸的訂製服系列屆滿20周年，他邀請了時尚設計師大衛‧杜布瓦及當代編舞家、時尚設計師克里斯汀．赫佐為他的20週年服裝展操刀，重新詮釋克利斯瓊‧拉夸的成衣系列，營造出迥異於大家熟知的克利斯瓊風格的視覺型態。
首展應邀於法國諾埃爾莊園舉行的2007五月國際時尚與攝影藝術節中展出，獲得熱烈迴響。同年八月再度受邀至維也納舞蹈藝術節展出，結合劇場元素、音樂與時尚的精彩跨界合作，引發媒體的高度興趣，相關的報導持續不斷。
有別於一般的服裝展，總是將服裝的完美呈現視為首要目的，並將服裝與人體間的肌膚關係完全抽離。這次的「時尚展」在呈現服裝時，企圖去除服裝的品牌神話與偶像化，讓衣物重新融入生活的節奏與步調，擺脫櫥窗設計中的鏡框式美學法則，透過模特兒生活化的穿著與日常姿態的重現，讓服裝與人體間的關係恢復現實中應有的縐褶感與空間感。
展場設計創造出一個結合想像與凡俗的場域，並營造劇場的氛圍，凸顯了克利斯瓊服裝中的特有的淘氣性格與巴洛克語彙。也因著強調模特兒的寫實，空間反而流洩出某種魔幻超現實的氛圍。
兩位來自不同領域的藝術家從各自的角度看到了一個新的克利斯瓊，他們之間的合作，將克利斯瓊創作中流行時尚與務實精神的衝突，表露無遺。他們試圖在服裝的「 呈現」與透過服裝的符號「 再現 」，營造克利斯瓊美學中特有的衝突與落差。
首展應邀於法國諾埃爾莊園舉行的2007五月國際時尚與攝影藝術節中展出，獲得熱烈迴響。同年八月再度受邀至維也納舞蹈藝術節展出，結合劇場元素、音樂與時尚的精彩跨界合作，引發媒體的高度興趣，相關的報導持續不斷。
有別於一般的服裝展，總是將服裝的完美呈現視為首要目的，並將服裝與人體間的肌膚關係完全抽離。這次的「時尚展」在呈現服裝時，企圖去除服裝的品牌神話與偶像化，讓衣物重新融入生活的節奏與步調，擺脫櫥窗設計中的鏡框式美學法則，透過模特兒生活化的穿著與日常姿態的重現，讓服裝與人體間的關係恢復現實中應有的縐褶感與空間感。
展場設計創造出一個結合想像與凡俗的場域，並營造劇場的氛圍，凸顯了克利斯瓊服裝中的特有的淘氣性格與巴洛克語彙。也因著強調模特兒的寫實，空間反而流洩出某種魔幻超現實的氛圍。
兩位來自不同領域的藝術家從各自的角度看到了一個新的克利斯瓊，他們之間的合作，將克利斯瓊創作中流行時尚與務實精神的衝突，表露無遺。他們試圖在服裝的「 呈現」與透過服裝的符號「 再現 」，營造克利斯瓊美學中特有的衝突與落差。
0308-0525 台北市立美術館 -
伊東豊雄：衍生的秩序 Toyo Ito: Generative Order
伊東豊雄：衍生的秩序
Toyo Ito: Generative Order
台北市立美術館 大廳.1B
2008/0308-0525
伊東豊雄(1941-)是近年來頗受國際矚目的日本建築師，2001年完成的「仙台媒體中心」被譽為新世紀建築的代表作，隨即在世界建築界掀起「伊東風潮」，2002年獲頒威尼斯建築雙年展的金獅獎。
伊東與台灣的建築因緣始於高雄世運會主會場的設計案(2005年)，緊接著又在2005年的台中大都會歌劇院國際競圖中勝出，2007年更受邀設計臺灣大學社會科學院新館。可以設想在不久的未來，隨著伊東豊雄三個建築實體的完成，勢必為本地前衛建築的討論注入新的動能。各界對於這位國際級建築師即將在台灣實現的前衛建築，期待甚殷。
0315-0525 台北市立美術館 -
不設防城市: 藝術中的建築展 Open City: Architecture in Art
不設防城市: 藝術中的建築展
Open City: Architecture in Art
台北市立美術館 1A
2008/0315-0525
在今日，建築的概念已從個人最密切的家屋，向外延伸至城市、環境、國界等有形建物的聚合，並多元地指涉個人、集體精神世界的屏障，建築可以是有形的人造建物，也可以是個隱喻、一個指涉，泛指人與空間變換不拘的關係，它也凝聚了人們對美與善的無窮想望，成為藝術國度的一份子。「不設防城市」挪用自義大利導演羅伯扥˙羅塞里尼（Roberto Rossellini）於1945執導的一部義大利電影「不設防城市」(Rome, Open City)，描寫羅馬於1944納粹統治下的情況。英文片名「open city」也指第二次大戰時歐洲城市如巴黎等讓敵軍長驅直入以維護城市的完整不受攻擊。影片大量呈現陰沉灰暗的羅馬大街、黯淡的教堂與破舊民居，藉由城市街道烘托這動盪不安的時代，暗喩光明與黑暗勢力間的消長與角力。從羅塞里尼眼中不設防的動盪城市出發，光明與黑暗的意象隱喻了現代化城市的演變，城市空間為人們畫下由建築構築而成的文化疆界，進而劃分中央與邊陲、新與舊、善與惡、富裕與貧窮、理想與頹傾的界線。「不設防城市」同時也可延伸指城市由於過度發展，對生態與環保的疏於設防，或指全球化的結果，城市安全的無法安全設防。
Open City: Architecture in Art
台北市立美術館 1A
2008/0315-0525
在今日，建築的概念已從個人最密切的家屋，向外延伸至城市、環境、國界等有形建物的聚合，並多元地指涉個人、集體精神世界的屏障，建築可以是有形的人造建物，也可以是個隱喻、一個指涉，泛指人與空間變換不拘的關係，它也凝聚了人們對美與善的無窮想望，成為藝術國度的一份子。「不設防城市」挪用自義大利導演羅伯扥˙羅塞里尼（Roberto Rossellini）於1945執導的一部義大利電影「不設防城市」(Rome, Open City)，描寫羅馬於1944納粹統治下的情況。英文片名「open city」也指第二次大戰時歐洲城市如巴黎等讓敵軍長驅直入以維護城市的完整不受攻擊。影片大量呈現陰沉灰暗的羅馬大街、黯淡的教堂與破舊民居，藉由城市街道烘托這動盪不安的時代，暗喩光明與黑暗勢力間的消長與角力。從羅塞里尼眼中不設防的動盪城市出發，光明與黑暗的意象隱喻了現代化城市的演變，城市空間為人們畫下由建築構築而成的文化疆界，進而劃分中央與邊陲、新與舊、善與惡、富裕與貧窮、理想與頹傾的界線。「不設防城市」同時也可延伸指城市由於過度發展，對生態與環保的疏於設防，或指全球化的結果，城市安全的無法安全設防。
0303-0413 國際劇場藝術節2008 International Theatre Festival 2008
2008國際劇場藝術節
International Theatre Festival 2008
主辦單位：國立中正文化中心
洽詢電話：兩廳院售票（www.artsticket.com.tw ）
法國：彼得‧布魯克與北方滑稽劇團《希茲威‧班西死了》
地點：實驗劇場
日期：3／3－5
台灣：創作社《Roberto Zucco》
地點：實驗劇場
日期：3／13－16
德國：安娜‧蒂斯摩與好事劇團《好事多磨》
地點：實驗劇場
日期：3／28－30
地點：實驗劇場
日期：4／4－6
以色列：哈比馬劇院＆卡梅里劇院《安蒂岡妮》
地點：國家戲劇院
日期：4／3 －6
韓國：梯子肢體實驗室《伍采克》
地點：實驗劇場
日期：4／4 －6
台灣：外表坊時驗團《婚姻場景》
地點：實驗劇場
日期：4／10－13
International Theatre Festival 2008
主辦單位：國立中正文化中心
洽詢電話：兩廳院售票（www.artsticket.com.tw ）
法國：彼得‧布魯克與北方滑稽劇團《希茲威‧班西死了》
地點：實驗劇場
日期：3／3－5
台灣：創作社《Roberto Zucco》
地點：實驗劇場
日期：3／13－16
德國：安娜‧蒂斯摩與好事劇團《好事多磨》
地點：實驗劇場
日期：3／28－30
地點：實驗劇場
日期：4／4－6
以色列：哈比馬劇院＆卡梅里劇院《安蒂岡妮》
地點：國家戲劇院
日期：4／3 －6
韓國：梯子肢體實驗室《伍采克》
地點：實驗劇場
日期：4／4 －6
台灣：外表坊時驗團《婚姻場景》
地點：實驗劇場
日期：4／10－13
0223-0413 台北當代藝術館 - 果凍時代 INFANTIZATION
果凍時代
INFANTIZATION
台北當代藝術館
MOCA,Taipei
2008/0223-0413
http://www.mocataipei.org.tw/_chinese/showweb/01_about.asp?ID=53
政經局勢與社會結構的改朝換代，順勢培育出新品種的人類，其舉手投足、思維方式、美學品味、人際互動、作息起居等，均呈現有別以往的風貌。英國iPOD世代、日本3P族、台灣草莓族都是當代社會的產物。
時代的巨輪同樣在對岸的中國狂奔。在這巨變的二十年，同時是中國當代藝術迅速成長的十年，80年代出生的藝術家逐漸步入成年，這富裕無憂的世代如策展人張晴所形容：透明的、輕盈的果凍一代，鮮亮自在，有時盲目勇敢。
在台北市文化局的邀請之下，2007年初夏於上海美術館展出的「果凍時代」一展將於巡迴至台北當代藝術館展出。策展人張晴遊歷全國城市考察，發現新興世代的活躍創作力量，展覽以「嬰兒化的青春」、「未來肖像學」、「紛雜的全球化景象」三主題切入，關注他們的生活方式，創作傾向及創作特徵，全面呈現今日中國都市青年藝術的全息生態。作品形式包括繪畫、插畫、雕塑、錄影、攝影、聲音、建築、遊戲、設計、音樂、電影、文學等，計展出四十一位（組）藝術家，六十件作品。
果凍一代究竟是沒有思想包袱，或是缺乏一種厚度？果凍一代究竟是反抗教條與英雄主義，或是展臂擁抱商業主義？台北當代藝術館「果凍時代」展覽，呈現中國當代青年的生活切片與文化觀察，並藉此遙望亞洲及世界青年之面貌及新生代藝術家的創作趨勢。
0222-0316 國立歷史博物館 - 王懷慶油畫展
王懷慶油畫展
2008/0222-2008/0316
週二至週日，10:00~18:00
國立歷史博物館 四樓401展廳
王懷慶先生，1944年出生於北京，12歲考入中央美術學院附中初中班之後，三年後再入其高中班，1964年考入中央工藝美術學院，1979年畢業於該院研究所，經過這一路嚴謹紥實又有系統的科班訓練，於1980年之後登入藝壇，嶄露頭角，可謂為中國改革開放之後具有舉足輕重地位的中國油畫家。王懷慶先生參展紀錄輝煌，並曾獲得諸多獎項；除了中國本地之外，參展足跡遍及紐約、東京、新加坡、法國、西班牙、德國等地。
吳冠中先生曾如此形容這一代的人是在苦澀的道路上成長，熬過風霜，晚秋季節吐春蕾的畫家；他們對生活與藝術抱有沉穩而執著的信念，不再固守僵硬的教規，而師承吳冠中的王懷慶更是致力於探索當代中國油畫新徑，幾經努力、研究與試驗，終於開闢出個人的專屬風格。王懷慶的作品鮮明、造型獨特、深具原創性，簡化的元素與單純濃烈的色彩創造了強而有力的視覺效果與無比的張力於畫布上。
王懷慶個展先於2008年初之際在新加坡展出，該展與新加坡書法家協會、大未來畫廊合作辦理，展出自1990至近期的油畫、版畫作品約30幅，從中不難看出他對中國家具與建築題材的喜愛，如《紅妝》、《民居》、《天窗》、《自己和自己的影子》等等，畫面經過對實體幾何化的處理，不僅不失其力度，又略帶繁華過後之蒼茫感，似乎說明了畫家在傳統文化快速崩解、社會結構急劇變遷的年代裡，企圖透過畫筆尋覓過往情愫與人文精神。王先生運用西方的工具材料來表現東方趣味與內蘊，可說站在一個具象到抽象、傳統與現代、東方到西方的接合點上，是一位既富有民族內涵，又深具世界眼光的畫家。個人樂見其個展自新加坡展畢後，續至本館展出，略綴數語為之序。
1128-0224 台北市立美術館 - 一位文學家眼中的世界：鈞特．葛拉斯的詩
一位文學家眼中的世界：鈞特．葛拉斯的詩
A Writer’s Vision: The Poetry and Paintings of Günter Grass
2007/1128-2008/0224
台北市立美術館 3A
Taipei Fine Arts Museum 3A
A Writer’s Vision: The Poetry and Paintings of Günter Grass
2007/1128-2008/0224
台北市立美術館 3A
Taipei Fine Arts Museum 3A
1999年諾貝爾文學獎得主鈞特．葛拉斯，是當代德語文壇的國寶，但鮮少人知道也是當今極少數跨領域的傑出藝術工作者。自1948年起，葛拉斯便進入杜塞道夫藝術學院學習，是一位深受專業薰陶的藝術創作者，舉凡水彩、雕塑與版畫都有豐富的作品。今年適逢葛拉斯八十歲生日，北美館將於2007年11月28日與德國福士美術館、台北德國文化中心合作，展出葛拉斯手繪的110餘件水彩作品，這批畫作可說是葛拉斯創作生涯中獨具特色、也富有文學價值的作品。藉由水彩透明澄澈的質感，葛拉斯將德國鄉間各種自然景緻、動植物，甚至是人工物，一一地描繪下來，並以詩篇來敘述它╱牠們，讓文字成為繪畫的內涵，彼此言說、對話，傳達豐富的想像色彩，同時流露幽暗深邃的寓意。
Günter Grass, winner of the 1999 Nobel Prize for Literature, was born in Danzig on October 16, 1927. A prolific writer, he is an icon of contemporary German literature as well as one of the very few outstanding multidisciplinary artists today. Entering the Duesseldorf Academy of Arts in 1948, Grass received formal art training and has created many watercolors, sculptures and prints. This year marks Grass’ 80th birthday. On November 28, 2007, The Taipei Fine Arts Museum will be in collaboration with the Würth Museum in Germany and the Deutsches Kulturzentrum Taipei to show 116 watercolours and 12 sculptures by Grass from the collection of the Würth Museum in Germany and private collection. These works are the most distinctive pieces in his career and also the ones with the highest literary value. Using transparent watercolour, Grass depicts the natural landscapes, flora and fauna and even man-made objects found in the German countryside, such as vast fields, clouds, hares, fungi, frogs, catfish, old coats, cloth shoes, lunch boxes and tools with signs of use. With spontaneous brushstroke and bright colors, he portrays the objects that have deep metaphorical meaning to him and describes them with poems. The texts and images inform and interact with one another, creating fantastic visions and profound meanings.
0123-0720 百年風華- 台灣博物館建築特展
百年風華- 台灣博物館建築特展
The Eloquent of National Taiwan Museum-
A Centennial Splendor on its Architecture
2008/0123-2008/0720
The Eloquent of National Taiwan Museum-
A Centennial Splendor on its Architecture
2008/0123-2008/0720
Tue-Sun 10:00-17:00
www.ntm.gov.tw
www.ntm.gov.tw
